10 wskazówek dotyczących pisania lepszych scen

Jako redaktor i trener książek, pisarze cały czas pytają mnie: Czy masz jakieś wskazówki, jak napisać lepszy pierwszy szkic? Czy jest coś, co mogę zrobić, aby ułatwić to całe „pisanie książki”!?

A moja odpowiedź brzmi TAK! Skoncentruj swoje wysiłki i uwagę na nauce pisania silnej, dobrze zorganizowanej sceny. To wszystko zmieni w twojej zdolności do napisania historii, która działa, a także lepszych pierwszych szkiców.

Dlatego w tym poście dzielę się moimi dziesięcioma wskazówkami dotyczącymi pisania lepszych scen. Jeśli chcesz dowiedzieć się, jak definiuję scenę lub jak zbudować scenę, sprawdź ten wpis na blogu. Mam nadzieję, że gdy opanujesz sztukę pisania scen, cały proces pisania książki stanie się o wiele łatwiejszy i prostszy. Więc bez zbędnych ceregieli, zanurzmy się!

Porada 1: Trzymaj się jednej postaci z punktu widzenia dla każdej sceny.

Pierwszą wskazówką, jaką mam dla ciebie, jest trzymanie się jednego punktu widzenia postaci na scenę. I kiedy to mówię, nie mówię, że nie używaj wielu postaci z punktu widzenia w swojej historii. Mówię tylko, żeby trzymać się perspektywy jednej postaci na scenę.

I jest kilka powodów, dla których polecam to zrobić.

Powodem numer jeden jest to, że sprawia, że ​​​​czytanie jest bardziej wciągające dla czytelników. Ugruntowując czytelników w jednym punkcie widzenia postaci na scenę, dajesz czytelnikom czas i przestrzeń, aby naprawdę wczuli się w głowę tej postaci, doświadczając wydarzeń z historii tak, jak on lub ona. Pomoże to również uniknąć przeskoku głowy, który może być irytującym doświadczeniem dla czytelników.

Drugim powodem jest to, że po prostu łatwiej jest napisać dobrze skonstruowaną scenę, gdy trzymasz się perspektywy jednej postaci. Jeśli patrzysz z perspektywy jednej postaci, śledząc cel tej postaci w całej scenie, łatwiej jest napisać coś, co jest spójne i trudniej będzie ci odejść od stycznych, które tak naprawdę nie mają znaczenia.

Więc to rada numer jeden. Trzymaj się jednego punktu widzenia postaci na scenę.

Wskazówka nr 2: Ustal, gdzie i kiedy rozgrywa się scena.

Druga wskazówka, którą mam dla ciebie, to upewnienie się, że kontekst sceny jest jasny. Rozumiem przez to, że musisz osadzić czytelnika w czasie i miejscu na samym początku każdej sceny - zwłaszcza w odniesieniu do sceny, która była przed nią.

Gdzie więc rozgrywa się ta scena? Czy zmieniła się lokalizacja? Niech to będzie oczywiste dla czytelników. Ile czasu minęło od ostatniej sceny? Godzina? Trzy dni? Dziesięć miesięcy? Poinformuj czytelników, ile czasu minęło od ostatniego spotkania z tą postacią.

A powodem, dla którego jest to tak ważne, jest to, że jeśli czytasz książkę i nagle nie masz pojęcia, gdzie i kiedy dzieje się ta historia, bardzo prawdopodobne jest, że przestaniesz czytać, przerzucisz kilka stron wstecz i spróbujesz zrozumieć co do cholery właśnie się stało.

Jeśli nie ma oczywistej odpowiedzi, poczujesz się zdezorientowany i prawdopodobnie będziesz musiał ciężko pracować, aby wrócić do strefy opowieści. Więc albo wyjmiesz telefon i spróbujesz sprawdzić, czy ktoś w Internecie miał takie same doświadczenia jak ty, albo przestaniesz czytać, ponieważ teraz tak naprawdę nie ufasz temu, co się dzieje lub nagle , czytanie wydaje się zbyt ciężką pracą.

Tak więc, aby uniknąć robienia tego swoim czytelnikom, upewnij się, że orientujesz czytelnika w czasie i miejscu na początku każdej nowej sceny. To rada numer dwa.

Porada 3: Daj swojej postaci określony cel w każdej scenie.

Trzecią wskazówką, jaką mam dla ciebie, jest upewnienie się, że twoja postać ma określony cel w każdej scenie. Więc co twoja postać chce osiągnąć, osiągnąć lub nauczyć się w tej konkretnej scenie? Co konkretnie próbują zrobić?

Ich celem może być dosłownie wszystko – może to być coś prostego, na przykład twoja postać chce zejść nad rzekę, aby napełnić wiadro wody, aby móc zrobić śniadanie dla swojej rodziny. Lub może być tak złożony, jak twoja postać, która chce stawić czoła i pokonać złego Czarnego Pana, aby ludzkość mogła przetrwać.

Niezależnie od tego, co to jest, twoja postać musi próbować coś osiągnąć, a jej cel musi być jasny w kilku pierwszych akapitach. W ten sposób czytelnicy odnoszą się do twojej postaci i inwestują w nią przez całą historię.

W ten sposób możesz również pomóc lub uniemożliwić swojej postaci osiągnięcie lub osiągnięcie głównego celu fabularnego - jedna scena na raz.

Teraz powinienem wspomnieć, że wydaje się to być czymś, co dezorientuje wielu pisarzy. Niektórzy pisarze uważają, że słowo „cel” jest zbyt duże lub wzniosłe. Więc jeśli chcesz, możesz zadać sobie pytanie, co ta postać próbuje zrobić w tej scenie?

Prawdopodobnie nie oddajesz sprawiedliwości swojej historii, jeśli twoja postać siedzi na kanapie bez celu i ambicji, czekając, aż wydarzenia fabularne popchną ją do działania.

A powodem, dla którego to nie działa, jest to, że a) twoja postać nie wydaje się prawdziwa — w prawdziwym życiu wszyscy mamy duże i małe cele, oraz b) to nie pozostawia miejsca na konflikt. Jeśli twoja postać nie ma celu, nic nie może stanąć na drodze. A jeśli nie ma konfliktu, nie ma historii.

Więc to jest wskazówka numer trzy. Daj swojej postaci określony cel w każdej scenie.

Porada 4: Upewnij się, że każda scena zawiera mini-łuk zmian.

Następną wskazówką, którą mam dla ciebie, jest upewnienie się, że każda z twoich scen zawiera mini-łuk zmian.

Więc kiedy już wiesz, czego chce twoja postać z punktu widzenia w scenie, nad którą pracujesz, możesz użyć „5 przykazań”, o których mówiłem w odcinku #40, aby pomóc ci stworzyć mini-łuk zmian poprzez konflikt, przed którym stoi twoja postać.

Jeśli nie wiesz, o czym mówię, kiedy mówię „5 przykazań”, sprawdź ten post na blogu lub posłuchaj 40. odcinka podcastu „Łatwe pisanie fikcji”.

Zasadniczo sprowadza się to do tego, że twoja postać musi mieć cel, będzie musiała stawić czoła konfliktowi, dążąc do tego celu, a następnie stanie przed decyzją, jak iść naprzód, tworząc w ten sposób mini-łuk zmian. Wszystkie te mini-łuki zmian w twoich scenach składają się na globalny łuk zmian w całej historii.

Jest to również jedno z moich ulubionych pytań dotyczących edytowania wersji roboczej. W każdej scenie chcesz zobaczyć, co zmieniło się dla twojej postaci. Jeśli nie ma żadnych zmian lub zmiana jest raczej bez znaczenia w kontekście twojej globalnej historii, automatycznie dowiesz się, że ta konkretna scena wymaga pracy.

Więc to jest wskazówka numer cztery, upewnij się, że każda scena zawiera mini-łuk zmian.

Porada 5: Upewnij się, że twoja postać z punktu widzenia ma agencję.

Następna wskazówka, którą mam dla ciebie, to upewnienie się, że twój punkt widzenia ma charakter sprawczy. I ten rodzaj odnosi się do tego, co powiedziałem we wskazówce numer trzy o dawaniu twojej postaci celu w każdej scenie. Gdy już mają cel, muszą mieć również agencję, aby go realizować.

Muszą być w stanie podejmować decyzje i podejmować działania, które posuwają historię do przodu. Dzieje się tak po prostu dlatego, że czytelnicy nie przyczepią się do pasywnej postaci, która po prostu siedzi i czeka, aż coś się im przydarzy.

I coś, o co często mnie pytają, kiedy mówię o sprawczości postaci, to jakaś wersja tego, co jeśli moja postać jest przetrzymywana w niewoli? A moja odpowiedź brzmi nadal, że twoja postać potrzebuje agencji. Gdybyś był przetrzymywany w niewoli, czy nie spróbowałbyś czegoś zrobić? Niezależnie od tego, czy chodzi o rozmowę ze strażnikiem, ucieczkę przez okno, zdobycie szklanki wody, zaprzyjaźnienie się z inną postacią, która również jest przetrzymywana w niewoli, czy coś w tym rodzaju?

Bez względu na to, w jakiej sytuacji znajduje się twoja postać, musi podjąć inicjatywę, aby coś zrobić w tej sytuacji, nawet jeśli ma to negatywne lub nieprzewidziane konsekwencje. W rzeczywistości najczęściej to negatywne lub nieprzewidziane konsekwencje sprawiają, że historia jest interesująca i zmusza twoją postać do ostatecznego rozwoju i zmiany.

Tak czy inaczej, to wskazówka numer pięć. Upewnij się, że twoja postać z punktu widzenia ma agencję.

Porada 6: Pokaż, co myśli i czuje twoja postać.

Następną wskazówką, którą mam dla ciebie, jest pokazanie czytelnikom, co twoja postać myśli lub czuje w całej scenie. I to jest super, super ważne. Zawsze chcesz mieć pewność, że pokażesz czytelnikom, jak wydarzenia z danej sceny wpływają na twoją postać.

Aby właściwie to zrobić, musisz zrozumieć, kim jest twoja postać, jaki jest jej światopogląd i co on lub ona ceni. Musisz także wyczuć, czego oczekuje twoja postać, na co ma nadzieję lub czego się boi w każdej scenie. Pomoże ci to określić, w jaki sposób rozumieją lub nie rozumieją, co dzieje się wokół nich.

Tak więc w każdej scenie, oprócz tego, co się dzieje, upewnij się, że wpuszczasz czytelników do głowy swojej postaci. Co oni myślą? Co oni czują? Jak przetwarzają wydarzenia na scenie? Jakie znaczenie czerpią z tych wydarzeń? W jaki sposób to, co dzieje się na zewnątrz, oraz to, co myślą o tym, co się dzieje, popchnie ich do następnej sceny?

I to jest rada numer sześć. Pokaż czytelnikom, co twoja postać myśli i czuje w całej scenie. Czytelnicy chcą poczuć, jak czują się twoi bohaterowie, więc wpuść ich do głowy!

Porada 7: Postaraj się rozwinąć przynajmniej jeden wątek w każdej scenie.

Następną wskazówką, którą mam dla ciebie, jest próba przesunięcia co najmniej jednego wątku pobocznego na scenę.

W świetnej historii wątki poboczne rozwijają się równolegle z głównym wątkiem. Tak więc, kiedy już wybierzesz swoją postać z punktu widzenia, wyznaczysz jej cel i zbudujesz strukturę sceny, o której mówiliśmy, zastanów się, jak możesz nałożyć coś, aby posunąć jeden z twoich wątków pobocznych do przodu.

Na przykład, jeśli pomyślisz o pierwszej książce o Harrym Potterze, Harry Potter i Kamień Filozoficzny , jest scena, w której Madame Hooch uczy Gryfonów i Ślizgonów, jak latać na miotle.

W tej scenie do przodu posuwają się trzy wątki fabularne. Po pierwsze, okazuje się, że Harry jest urodzonym na miotle iz tego powodu zostaje nowym poszukiwaczem Gryffindoru. Po drugie, Harry staje w obronie Neville'a, wzmacniając ich przyjaźń. I po trzecie, rywalizacja Harry'ego i nienawiść do Malfoya stają się jeszcze gorsze.

Podoba mi się też ten przykład, ponieważ teoretycznie JK Rowling mogła wybrać wszystko, o co Draco i Harry mogliby walczyć, ale zdecydowała się przesunąć wątek Neville'a do przodu i przeciągnąć ten wątek historii przez tę scenę, aby a) pokazać postać Harry'ego , b) dać Draco i Harry'emu punkt sporny oraz c) sprawić, by historia była spójna i spójna.

W każdym razie, to jest wskazówka numer siedem, spróbuj przesunąć przynajmniej jeden z wątków pobocznych do przodu w każdej ze swoich scen.

Wskazówka nr 8: Użyj „obecnej historii”, aby uruchomić historię i ekspozycję.

Następna wskazówka, którą mam dla ciebie, to wykorzystanie obecnej historii lub czegokolwiek, co dzieje się w chwili obecnej, aby wywołać historię i ekspozycję.

Rozumiem przez to, że opisy ludzi, miejsc, historii itp. powinny być bezpośrednio związane z tym, co dzieje się w danym momencie na scenie. Załóżmy więc, że chcesz przekazać w scenie pewne informacje o matce bohatera. Zamiast po prostu wstawiać wszystkie te informacje i historię do sceny, wbuduj w obecną historię coś, co może uruchomić tę część historii.

Załóżmy na przykład, że druga połówka Twojej postaci przychodzi i ogląda zdjęcia matki Twojej bohaterki. To może skłonić do rozmowy o jego mamie. Twoja postać może również spacerować po mieście i zobaczyć starą kwiaciarnię swojej matki. Może to również wywołać historię o jego mamie.

Kiedy historia lub informacje o budowaniu świata lub ekspozycja są istotne dla tego, co dzieje się w scenie, jest to kontekst, a nie zrzut informacji. Kluczem jest uwzględnienie tylko tych informacji, które czytelnicy muszą znać, aby zrozumieć, co dzieje się na scenie, w przeciwnym razie ryzykujesz utratę ich uwagi.

I to jest wskazówka numer osiem, użyj „obecnej historii”, aby uruchomić historię i ekspozycję.

Wskazówka nr 9: Dołącz tylko dialogi, które są istotne dla danej sceny.

Następna wskazówka, którą mam dla ciebie, to uwzględnianie tylko dialogów, które są istotne dla tego, co dzieje się w danej chwili w scenie.

Rozumiem przez to, że dialog powinien być używany tylko do ustalania kontekstu lub celów postaci, wywoływania lub pogarszania konfliktu, ujawniania decyzji lub zmian postaci i tym podobnych rzeczy.

Jeśli twój dialog nie robi jednej z tych rzeczy, prawdopodobnie go nie potrzebujesz. To naprawdę takie proste.

I to jest rada numer dziewięć. Dołączaj tylko dialogi, które są istotne dla pisanej sceny.

10. Upewnij się, że scena wnosi wkład w globalną historię.

Ostatnia wskazówka, jaką mam dla Ciebie, to upewnienie się, że Twoja scena wnosi wkład w Twoją globalną historię. Ja też lubię o tym myśleć na dwa sposoby.

Najpierw pomyśl w kategoriach swojej zewnętrznej fabuły. Każda scena powinna popychać historię do głównego punktu kulminacyjnego, w którym bohaterowi udaje się lub nie udaje się osiągnąć głównego celu fabularnego. I tak, dotyczy to również wątków pobocznych. Wątki poboczne powinny być wplecione w główną fabułę każdej sceny, aby nie odwracały uwagi od ogólnego wątku twojej historii.

Po drugie, pomyśl w kategoriach wewnętrznego łuku swojej postaci. Każda scena powinna zmuszać twojego bohatera do stawienia czoła konfliktowi i podejmowania decyzji, które pomogą mu się rozwijać i zmieniać. Każda scena powinna stwarzać konsekwencje, z którymi trzeba się uporać lub na których trzeba budować w następnej scenie, dopóki twoja postać nie wyciągnie wniosków z historii i nie zmieni się. W ten sposób przedstawisz temat swojej historii.

Tak więc, w zasadzie, będziesz chciał zadać sobie pytanie – czy ta scena przyczynia się do fabuły globalnej historii? A potem -- czy ta scena wnosi coś do wątku mojej postaci lub tematu globalnej historii? Jeśli nie, nadszedł czas, aby ponownie rozważyć, czy scena, na którą patrzysz, gwarantuje jej miejsce w twoim szkicu.

Teraz w tej notatce, powiedzmy, że masz scenę, która niekoniecznie przyczynia się do globalnej historii, ale pokazuje ważną część historii twojej postaci. Gdybym był twoim trenerem lub redaktorem, zasugerowałbym znalezienie innego miejsca, w którym można dodać tę część historii do twojej historii, gdzie jest ona istotna dla tego, co dzieje się w scenie, zamiast tworzyć całą scenę, której jedynym celem jest przedstawienie historii.

Tak czy inaczej, to jest wskazówka numer 10: upewnij się, że każda Twoja scena wnosi wkład w globalną historię, zarówno zewnętrznie, jak i wewnętrznie.

Końcowe przemyślenia

Więc masz to. Moje dziesięć najlepszych wskazówek dotyczących pisania lepszych scen! Jeśli chcesz dowiedzieć się, jak napisać dobrze ustrukturyzowaną scenę, zapoznaj się z tym postem na blogu. Mam nadzieję, że te wskazówki okażą się pomocne i że pomogą ci napisać mocniejszą, bardziej spójną historię!

Daj mi znać w komentarzach: Którą z tych wskazówek będziesz najpierw wdrażać w swoim piśmie? Czy któreś z porad były dla Ciebie zaskakujące lub nowe?