Compte à rebours des meilleurs conseils de FWME en 2022

Dans l'épisode d'aujourd'hui, nous allons faire quelque chose d'amusant et un peu différent. Puisque nous approchons de la fin de 2022, j'ai pensé qu'il serait amusant de continuer avec le thème de la semaine dernière sur les leçons apprises au cours des douze derniers mois. J'espère que certaines des leçons que vous avez apprises cette année proviennent de ce podcast, et j'espère que vous repartez chaque semaine avec une nouvelle stratégie à mettre en œuvre ou une nouvelle idée à explorer. Et j'espère que vous êtes également plus près d'atteindre tous vos grands et beaux objectifs d'écriture.

Donc, alors que nous nous rapprochons du compte à rebours jusqu'à ce que la balle tombe, je voulais compter à rebours certains des meilleurs clips du podcast Fiction Writing Made Easy en 2022. Vous allez entendre des clips des dix plus écoutés- aux épisodes, donc je sais que ça va être plein de bonnes choses. Et sans plus tarder, plongeons directement en commençant par le numéro dix.

Astuce #10. Testez votre idée en écrivant un résumé de 1 à 2 phrases de toute votre histoire, en vous concentrant sur le fil conducteur de l'histoire.

Le conseil numéro dix provient de l'épisode #54, Comment tester votre idée d'histoire avant de commencer à écrire. Dans cet épisode, je passe en revue deux exercices différents qui vous aideront à vous assurer que votre idée d'histoire est suffisamment étoffée - ou, si ce n'est pas le cas, ces exercices aideront à mettre en lumière tous les domaines de votre histoire qui ont encore besoin de travail. Voici le conseil :

"Comme je l'ai mentionné plus tôt, ce que nous essayons de faire, c'est d'avoir une idée de la pièce du puzzle qui pourrait manquer à votre idée d'histoire. Lorsque vous réfléchissez à votre idée :

• Savez-vous ce que veut votre protagoniste et pourquoi ?
• Savez-vous à quel type de conflit votre protagoniste sera confronté ?
• Savez-vous ce qui est en jeu pour votre protagoniste s'il réussit ou échoue ?

Si vous ne connaissez pas la réponse à ces réponses, je vous suggère de regarder votre genre pour trouver des indices. Votre genre peut guider vos réponses à chacune de ces questions.

Par exemple, si vous savez que vous écrivez une histoire d'action , alors le cadre du genre nous dit que a) votre protagoniste veut vaincre l'antagoniste pour sauver des vies (y compris très probablement sa propre vie), b) votre protagoniste devra faire face à des ( et dangereux) conflit lancé sur leur chemin par l'antagoniste, et c) leur vie et celle des autres sont en jeu s'ils ne réussissent pas à arrêter l'antagoniste. Donc, nous avons le QUI, QUOI et POURQUOI dans notre cadre de genre.

Et c'est pourquoi j'aime vraiment faire cet exercice en premier chaque fois que j'ai une nouvelle idée, car cela aide à développer le potentiel narratif de votre idée. Beaucoup d'écrivains avec qui je travaille n'ont pas réfléchi au conflit central de leur histoire, donc ils connaissent peut-être des choses sur leur protagoniste, ou ils ont peut-être des idées de scènes, mais ils n'ont pas fait le travail d'étoffer le conflit et/ou leur antagoniste.

Ainsi, en faisant cet exercice, il est facile de voir où et pourquoi une idée tombe à plat. Et pour moi, si une idée tombe à plat dans ce résumé de 1 à 2 phrases, cela ne signifie jamais que l'idée est terrible ou que cette histoire ne devrait pas être écrite. Cela signifie simplement qu'il reste un peu de travail à faire pour étoffer les choses.

Donc, une fois que vous avez écrit votre résumé de 1 à 2 phrases, prenez du recul et demandez-vous si vous l'aimez. Cela vous semble-t-il intéressant? Ou non? Si ce n'est pas le cas, continuez à creuser jusqu'à ce que vous ayez étoffé chacun des ingrédients.

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter #54, Comment tester votre idée d'histoire avant de commencer à écrire.

Astuce #9. Créez une feuille de route scène par scène pour l'ensemble de votre histoire (puis testez-la sous pression !) Avant de commencer à écrire.

Très bien, passons au conseil numéro neuf. Celui-ci provient de l'épisode #55, 3 conseils pour rédiger un premier brouillon en 90 jours. Et dans cet épisode, je donne quelques conseils et stratégies pour rédiger un premier brouillon en trois mois environ SI c'est votre objectif - ce n'est certainement pas votre objectif, mais certaines personnes veulent le faire. Et dans ce clip, je parle de la façon dont la description peut vous aider à rédiger un brouillon en 90 jours. Voici l'extrait :

"Je recommande fortement de créer un plan scène par scène pour toute votre histoire avant de commencer à écrire. Et je sais que certains d'entre vous n'aiment pas décrire, donc c'est très bien si vous êtes dans ce camp, mais je dirai que chaque écrivain avec qui j'ai travaillé et qui n'aime pas décrire revient généralement à la valeur de décrivant après avoir vu combien de temps et d'énergie un contour peut économiser. Et non seulement cela, mais il existe vraiment un moyen de rendre le processus d'esquisse aussi amusant et aussi créatif que l'écriture.

L'une des façons d'y parvenir est de considérer votre plan comme votre brouillon zéro. Donc, le brouillon avant votre premier brouillon, mais sous forme de résumé de scène. Je sais que ce conseil ne fonctionnera pas pour tout le monde, mais essayez-le peut-être si vous n'êtes normalement pas dans les grandes lignes, mais aussi pas exactement satisfait des progrès que vous faites actuellement.

Donc, deux choses ici. Une fois que vous avez un aperçu complet scène par scène, je veux que vous reveniez dessus et que vous le testiez sous pression. Alors, recherchez les trous de l'intrigue, les incohérences dans la logique, le rythme qui semble trop rapide ou trop lent, les personnages qui apparaissent mais disparaissent ensuite pour la seconde moitié du livre, les sous-intrigues qui apparaissent de nulle part dans l'acte trois - des choses comme ça. Ensuite, je veux aussi que vous regardiez chacune de vos scènes et que vous recherchiez le BUT + CONFLIT + DÉCISION du point de vue du personnage dans chacune de vos scènes. Faire ce travail dès le départ fera une ÉNORME DIFFÉRENCE dans la qualité de votre premier brouillon.

C'est exactement le même processus que j'enseigne dans ma classe Notes to Novel et la plupart du temps, peu importe ce que quelqu'un a ressenti au début de cette leçon, la plupart du temps, il est VRAIMENT heureux d'avoir franchi cette étape et d'avoir terminé ce travail acharné une fois qu'ils sont terminés. Cela change sérieusement la donne !

Donc, après cela, une fois que vous vous sentez bien dans votre plan, il est temps de commencer à écrire. C'est donc là que l'horloge de 90 jours commence à tourner. Et rappelez-vous, si vous visez 80 000 mots dans votre premier brouillon, cela signifie que vous devrez écrire environ 6 000 mots par semaine. Mais maintenant, si vous avez étoffé votre histoire et testé votre plan sous pression, il devrait être BEAUCOUP PLUS FACILE de vous asseoir pour écrire tous les jours.

Et pensez-y comme ça… quand vous avez de petites poches de temps - 30 minutes ici, 30 minutes là - vous n'avez pas à passer la moitié de ce temps à penser à ce que vous devez écrire - tout sera là sur votre scène -feuille de route par scène.

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #55 : ​​Comment écrire un premier brouillon en 90 jours.

Astuce #8. Écrivez (et éditez) votre histoire en scènes, pas en chapitres ! Cela vous aidera à rester sur la bonne voie et à produire une histoire bien rythmée.

Passons au conseil numéro huit. Celui-ci vient de l'épisode #61 où Abigail K. Perry et moi avons analysé le premier chapitre de Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban de JK Rowling. Dans ce clip, nous parlons de rythme et de structure, en particulier de ce qui se passe lorsque l'incident déclencheur de votre histoire arrive trop tard. Nous parlons également de la durée de la scène et de la façon dont les scènes se rapportent aux chapitres et à d'autres choses amusantes comme ça. Voici l'extrait :

« Abigail : J'ai vu un modèle, et je ne sais pas si vous l'avez vu du tout, Savannah, mais généralement, si vous n'avez pas d'incident incitant au chapitre trois, votre rythme est probablement ralenti et votre l'histoire peut commencer à sembler lente. J'ai remarqué que c'était généralement comme ça.

Savannah : En théorie, vous pourriez avoir trois chapitres très gonflés et vous n'arrivez pas à l'incident incitatif avant environ 20 000 mots, ce qui n'est pas idéal non plus. Donc, ce que j'aime dire, c'est que l'incident incitatif se produit généralement autour de 10 à 12 % de l'ensemble de votre manuscrit. C'est généralement comme à mi-chemin de la section de début de votre histoire. Et si le début est de 20 à 25 %, la marque de 10 à 12 % est à peu près à mi-chemin de la section de début. Et la raison pour laquelle j'aime y penser comme ça, c'est que vous voyez ces cartes d'intrigue où c'est comme si nous construisions quelque chose et puis descendions, nous construisions quelque chose et puis descendions. Et ce premier pic est généralement votre incident incitatif. Si vous ne l'avez pas à ce moment-là, que ce soit le chapitre trois ou quoi que ce soit (je dis que 10-12%), pourquoi quelqu'un lit-il votre livre ? Qu'est-ce qui les fait tenir ? Ils s'arrêteront.

Abigail : Et si vous faites de l'édition traditionnelle, j'ai vu beaucoup d'agents dire, d'accord, donnez-moi les trois premiers chapitres - donc si vous n'y arrivez pas au chapitre trois, votre livre est hors course . Ils vont le déposer. Donc, juste une sorte de truc pour FYI. Maintenant, ce qui est vraiment intéressant à ce sujet, c'est que nous avons parlé dans le passé de la longueur idéale d'une scène d'environ 2 000 à 2 500 mots – nous appelons cela une longueur de « chips ». Nous voulons que les lecteurs arrivent à cet endroit où ils arrivent à la fin d'un chapitre et se disent : « Oh, je vais juste en lire un de plus. Dans la plupart des cas, dans ces livres précédents, Rowling n'a pas été d'environ 2 500 mots par scène. Parfois, ils ont été un peu plus longs. Mais, lorsque vous pensez à cela ou que vous aidez vos clients, pensez-vous que les gens sont pris dans le nombre de mots et se concentrent trop sur les pourcentages ? Ou comment les amener à se concentrer sur ce qui compte vraiment par rapport au nombre de mots ou au pourcentage idéal ?

Savannah : Je trouve que la plupart des écrivains pensent en chapitres et c'est un peu tout. Donc, ils sont juste comme, j'ai besoin d'écrire un chapitre. Beaucoup de chapitres peuvent compter entre 3 000 et 4 000 mots. Donc, parce qu'ils ne savent pas mieux, ils finissent par écrire 3 000 à 4 000 mots sans aucune scène ou quoi que ce soit. Donc, j'aime enlever tout cela et dire simplement, écrivons une scène avec la structure dont nous avons parlé et essayons de la garder quelque part en dessous de 3 000 mots. Même si vous êtes à 3 000-3 500 sur votre premier brouillon, ça va. Vous pouvez éliminer les choses plus tard une fois que vous savez ce qui se passe dans votre histoire et ce qui est important et ce qui ne l'est pas, mais oui, je trouve que vous ne pouvez tout simplement pas penser aux chapitres en même temps que vous écrivez des scènes. C'est juste trop.

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #61 : Analyse du premier chapitre : Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban.

Astuce #7. Tout ce qui se passe dans une histoire n'a pas besoin d'être dramatisé dans une scène à part entière. Parfois, vous pouvez résumer!

L'astuce numéro sept vient de l'épisode #74, Quand faut-il écrire en scène vs en résumé ? Et c'est un excellent épisode à écouter si vous souhaitez mieux comprendre ce qu'est réellement une scène. Le clip que je vais partager comprend quelques directives générales sur les types de choses qui doivent être écrites en scène par rapport à en résumé. Voici l'extrait :

"Tout ce qui se passe dans une histoire n'a pas besoin d'être dramatisé dans une scène à part entière. Le récit deviendrait long, plat et ennuyeux.

Voici quelques directives générales pour vous aider à déterminer quelles parties de votre histoire doivent être écrites en scène et quelles parties doivent être écrites en résumé. Gardez à l'esprit qu'il ne s'agit pas de règles strictes , mais plutôt de lignes directrices pour vous aider à écrire la meilleure histoire possible.

• Les scènes se déroulent en temps réel, ce qui signifie qu'elles sont presque toujours plus percutantes que sommaires. Les scènes plongent puissamment le public dans l'histoire. Nous voulons dramatiser les parties les plus importantes de votre histoire pour un meilleur effet sur les lecteurs. Essentiellement, plus le moment est important, plus il est probable qu'il doive être rendu sous forme de scène. Si le moment fait progresser de manière significative l'arc, l'intrigue ou le thème du personnage, il doit s'agir d'une scène.

• Tout ce que votre histoire a construit devrait être une scène. Les moments forts de votre histoire (ou tout tournant majeur comme l'incident déclencheur, le point médian, le moment où tout est perdu, le point culminant global, les scènes clés de votre genre, etc.) doivent presque toujours être dramatisés en temps réel .
• Si vous travaillez avec plusieurs intrigues, tous les événements majeurs de l'intrigue principale devraient probablement être une scène. Moins l'intrigue est importante, plus vous pouvez vous contenter de résumer des événements importants ou même de faire en sorte que ces événements se produisent hors de la page.

Vous voulez écouter l'épisode en entier ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #74 : Quand faut-il écrire en scène vs résumé ?

Astuce #6. Établissez l'état mental et émotionnel de votre personnage au tout début de chacune de vos scènes.

Le numéro six vient de l'épisode #63, Ne démarrez pas une scène sans ces 3 choses. Et dans cet épisode, je parle des trois éléments contextuels que vous devez inclure au début de chacune de vos scènes. C'est quelque chose que beaucoup de brouillons que j'édite manquent, donc je recommande fortement d'écouter cet épisode. Mais dans ce clip, je parle d'établir l'état mental et émotionnel de votre personnage. Voici l'extrait :

"La deuxième chose que vous voudrez établir est l'état mental et émotionnel de votre personnage. Alors, que pensent-ils et ressentent-ils lorsque la scène s'ouvre ? Ont-ils porté dans leur état mental ou émotionnel de la dernière scène ? Qu'attendent-ils ou qu'espèrent-ils ?

Ceci est important à établir au début de chaque scène car cela contextualisera tout ce qui se passe dans le reste de la scène. Cela vous aidera également à écrire un comportement réaliste, car vous comprendrez mieux ce qui alimente et motive votre personnage lorsqu'il navigue dans les événements externes de la scène.

En général, il existe deux façons principales de montrer l'état mental et émotionnel de votre personnage. Tu peux:

• Laissez les lecteurs entrer dans l'esprit de votre protagoniste et montrez leurs pensées et leurs sentiments sur tout ce qui les affecte
• Laissez le comportement et les gestes physiques de votre protagoniste donner un aperçu de son état mental et émotionnel

Associés aux pensées et aux sentiments de votre protagoniste, les gestes physiques peuvent contribuer grandement à transmettre ce que ressent un personnage, mais il y a quelques mises en garde à cela.

Premièrement, vous ne pouvez pas simplement dire aux lecteurs que votre personnage est contrarié. Vous devez leur montrer exactement pourquoi ils sont bouleversés et quelles pensées spécifiques déclenchent ces sentiments.

Deuxièmement, vous voudrez éviter d'utiliser des gestes génériques (comme soupirer ou demander à un personnage de relâcher un souffle qu'il ne savait pas qu'il retenait) ainsi que des gestes répétitifs. Donc, n'utilisez pas les mêmes gestes encore et encore si vous pouvez vous en empêcher.

Et tout cela est important pour établir les enjeux de la scène. Ainsi, les enjeux sont essentiellement ce que votre personnage risque de perdre ou de gagner dans une scène ou dans une histoire. C'est pourquoi ce que veut le protagoniste est important pour lui. Et on peut toujours saisir l'enjeu d'une scène ou d'une histoire en se posant deux questions :

• Selon le protagoniste, que se passera-t-il s'il réussit ?
• Que craignent-ils qu'il se passe s'ils échouent ?

Et vous voudrez que les réponses soient précises, alors ne dites pas simplement quelque chose comme « elle se sent ratée » ou quelque chose d'abstrait. Concentrez-vous sur les images mentales spécifiques que le protagoniste décrit comme ses meilleurs et pires scénarios.

Si vous exprimez les espoirs et les peurs d'un personnage, le lecteur comprendra pourquoi ce qui se passe est important pour le protagoniste et se sentira plus investi dans le résultat. C'est aussi ce qui rend les choses plus satisfaisantes si votre protagoniste finit par réussir, ou plus poignantes s'il échoue, car nous comprenons ce que le succès ou l'échec signifie pour lui.

C'est un bon, non? J'adore les épisodes où nous pouvons parler d'exemples concrets de An Ember in the Ashes de Sabaa Tahir – J'ai l'impression que c'est tellement utile de voir un conseil ou une stratégie se dérouler dans la vraie vie.

Et c'est un conseil tellement important car, comme je l'ai dit, établir l'état émotionnel et mental de votre personnage aide à ancrer le lecteur au tout début de chaque scène. Alors, gardez cela à l'esprit et passons au conseil numéro cinq.

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #63, Ne démarrez pas une scène sans ces 3 choses

Astuce #5. Lorsque vous avez fini d'écrire un premier brouillon, la toute première chose à faire est de faire une pause !

Le numéro cinq vient de l'épisode #73, Les 4 phases du montage : comment réviser un roman. Et dans ce clip, je parle de la toute première chose que vous devriez faire une fois que vous avez terminé votre premier brouillon. Je ne vais pas vous spoiler, alors voici le clip :

"La toute première chose que vous devriez faire après avoir terminé votre premier brouillon est...

FAITES UNE PAUSE dans votre histoire !

Prendre du temps sur votre brouillon est ce qui vous aidera à prendre de la distance par rapport à votre histoire afin que vous puissiez y revenir avec des yeux plus objectifs... et cela rendra vos révisions beaucoup plus faciles. FAIS-MOI CONFIANCE.

Donc, c'est la toute première chose que vous devriez faire une fois que vous avez un brouillon fini.

Une fois que vous avez pris du temps sur votre brouillon, il est temps de lire ce que vous avez.

Et oui, ce sera probablement un peu grinçant, mais accrochez-vous.

Mais la clé de cette première étape est de ne pas apporter de modifications à votre manuscrit pendant que vous le lisez.

Et c'est parce que vous devez avoir une vue d'ensemble de votre histoire (et vous devez vous rappeler tout ce qui est déjà dans votre brouillon) avant de pouvoir réviser avec un sens de clarté. Alors, essayez de ne pas apporter de modifications à votre manuscrit lors de sa lecture.

Si vous savez que vous allez avoir du mal avec cette partie, vous pouvez imprimer votre brouillon, l'exporter au format PDF et le lire sur votre ordinateur ou le mettre sur votre Kindle. Vous pouvez également utiliser un programme de synthèse vocale comme NaturalReaders ou la fonction "Lire à haute voix" de Microsoft Word qui vous le lira essentiellement…

Fondamentalement, faites tout ce que vous pouvez pour vous empêcher de modifier pendant que vous lisez.

Maintenant, vous vous demandez peut-être... Eh bien, qu'en est-il des notes que je dois prendre ? ! Ou de nouvelles idées que je propose!?

Et voici le truc… Si vous voulez prendre des notes ou noter de nouvelles idées, allez-y. Pour certaines personnes, il est facile d'absorber l'essentiel de leur histoire et de prendre des notes. Pour d'autres, ce n'est pas si facile, et ils préfèrent lire et ensuite prendre des notes. Faites ce qui fonctionne pour vous.

Je ne veux pas que vous perdiez votre temps à faire des changements dans votre manuscrit actuel pour l'instant. Croyez-moi, cela peut sembler contre-intuitif, mais cela vous fera gagner du temps à long terme !

Oh mon Dieu, c'est drôle d'entendre ce conseil parce que je dirais que 70 % des écrivains ne suivent pas ce conseil parce qu'ils sont tellement impatients de se replonger dans leurs brouillons - et j'admets que, pour certaines personnes, cela fonctionne totalement . Parfois, il est normal de se replonger si vous savez que cela fonctionnera pour vous. Mais si vous n'êtes pas sûr, ou si vous ressentez le moindre épuisement ou un manque d'énergie créative, veuillez simplement faire une pause. Je ne plaisante pas quand je dis que cela pourrait être l'une des meilleures décisions que vous puissiez prendre dans tout le processus d'écriture !

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #73, Les 4 phases du montage : Comment réviser un roman.

Astuce #4. Assurez-vous que quelque chose de significatif se passe dans vos pages d'ouverture si vous voulez attirer l'attention du lecteur !

Passons au conseil numéro quatre. Celui-ci vient de l'épisode #56, 5 raisons pour lesquelles les lecteurs arrêtent de lire un livre. Et celui-ci est amusant parce que nous voulons tous que nos histoires soient lues, n'est-ce pas ? Voici l'extrait :

« Et ce que je veux dire par là, c'est que beaucoup d'écrivains utilisent le début d'une histoire pour préparer le lecteur à ce qui va suivre. Ainsi, ils mettront beaucoup de trame de fond ou d'exposition dans les premières pages afin que le lecteur sache tout ce qu'il y a à savoir sur les personnages ou le monde avant que quoi que ce soit ne se produise. Et ce n'est tout simplement pas idéal - imaginez votre histoire préférée et demandez-vous si l'auteur vous l'a fait. Vous pourriez penser que toute la trame de fond et l'exposition sont amusantes, mais vous n'avez pas besoin de tout savoir avant que l'histoire ne commence.

Par exemple, j'adore la construction du monde dans Harry Potter, mais je n'ai pas besoin de savoir combien d'étages il y a au ministère de la Magie ou quelles saveurs il y a dans Bertie Botts Every Flavor Beans avant de rencontrer Harry à la première page. Ce serait ennuyeux.

Alors, que devriez-vous faire à la place ? Eh bien, vous devez vous assurer que quelque chose de captivant se passe dès la toute première page. Vous avez peut-être entendu le conseil de commencer par l'action ou de commencer dans les médias, et cela revient au même : commencez par quelque chose de captivant qui attirera les lecteurs dans l'histoire. Mais une mise en garde ici - cela ne signifie pas de commencer par des poursuites en voiture ou des explosions ou quelque chose de super extrême comme ça. Pensez plutôt en termes d'ouverture significative ou percutante.

Et significatif et percutant sont subjectifs, n'est-ce pas ? Alors, qu'est-ce qu'un événement significatif et percutant pour votre personnage ? Vous pouvez également demander pourquoi l'histoire doit commencer aujourd'hui, pas hier ou demain ?

Vous recherchez le moment où les choses commencent à changer pour votre protagoniste, même s'il ne le sait pas encore. C'est généralement un bon indicateur du moment où votre histoire devrait commencer.

Et puis, ne vous sentez pas obligé de tout dire aux lecteurs . Au lieu de cela, donnez-leur suffisamment de contexte pour comprendre ce qui se passe dans la scène ou dans l'histoire présente, mais pas beaucoup plus - vous pouvez enregistrer cela pour une scène ou un chapitre ultérieur.

Si vous avez besoin d'aide pour vos pages d'ouverture, consultez mon atelier intitulé Comment accrocher les lecteurs dans vos cinq premières pages ici.

Un si bon, non ? J'adore cet épisode. Je ne retourne jamais écouter les épisodes une fois qu'ils sont publiés, mais j'ai réécouté ceux que j'inclus dans l'épisode d'aujourd'hui, et celui-ci sur les raisons pour lesquelles les lecteurs pourraient arrêter de lire votre livre est un bon ( surtout si vous êtes sur le point de commencer à éditer ou à interroger) !

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #56, 5 raisons pour lesquelles les lecteurs arrêtent de lire un livre.

Astuce #3. Si vous souhaitez attirer l'attention d'un agent avec votre lettre de requête, ne soyez pas vague lorsque vous résumez votre histoire - soyez précis !

Et en parlant d'interrogation, le conseil numéro trois vient de l'épisode #58, 10 erreurs d'interrogation commises par les écrivains (et que faire à la place) . Dans ce clip, je parle de ce qui se passe lorsqu'une lettre de requête est trop vague - et c'est quelque chose que je vois tout le temps . Voici l'extrait :

"La prochaine erreur que je vois des écrivains faire quand il s'agit de lettres de requête est qu'ils écrivent un résumé de leur histoire qui est super vague. Ainsi, ils utiliseront un langage vague et non spécifique, ou ils feront allusion à des choses d'une manière qui n'a pas de sens pour quelqu'un qui n'a aucune connaissance de l'histoire.

Ainsi, par exemple, j'ai lu une requête la semaine dernière qui disait quelque chose comme: "Lorsque le protagoniste se rendra sur la terre XYZ, ses pouvoirs seront testés." Mais cela ne nous dit vraiment rien - nous ne pouvons pas imaginer à quoi cela ressemble ni pourquoi cette personne va être testée. Ainsi, à la place, cet auteur pourrait dire quelque chose comme: "En arrivant dans le pays XYZ, le protagoniste devra utiliser chaque once de son pouvoir télékinésique pour sauver sa sœur de XYZ." Donc, c'est un peu plus précis et cela fait allusion à l'objectif et aux enjeux du protagoniste.

Maintenant, comme je l'ai mentionné plus tôt, le seul but de votre lettre de requête est de donner aux agents et aux éditeurs juste assez d'informations sur votre histoire pour qu'ils veuillent en lire davantage. Donc, à tout le moins, vous devez inclure : un personnage dont les lecteurs peuvent se soucier, une indication de ce que ce personnage veut (et pourquoi), le conflit qui se met en travers de leur chemin et ce qui est en jeu s'ils n'obtiennent pas ce que Ils veulent.

Si vous n'êtes pas clair sur ces quatre choses, votre requête va très probablement tomber à plat. Et sur ces quatre choses, celle que je vois le plus omise est ce qui est en jeu - donc, si vous écrivez une lettre de requête, ou si vous en avez déjà une écrite, vérifiez que vous avez inclus ce qui est en jeu .

Donc, c'est la septième erreur : rédiger un résumé d'histoire trop vague. En cas de doute, il vaut toujours mieux être précis que vague, alors gardez cela à l'esprit. Et aussi, je vais ajouter un conseil bonus ici… S'il vous plaît, ne terminez jamais votre requête par une variation de "si vous voulez savoir ce qui se passe, vous devrez lire le livre !" Faites-moi confiance sur celui-là, mais ne le faites pas.

C'est un si bon conseil, et honnêtement, le conseil d'être précis, pas vague, est quelque chose que vous pouvez appliquer à tous les types de choses quand il s'agit d'écrire. Que veut votre personnage ? Ne soyez pas vague, soyez précis. De quoi votre personnage s'inquiète-t-il dans une scène ? Être spécifique. Lorsque je rédige, je garde en fait une note autocollante sur mon bureau qui dit "ÊTRE SPÉCIFIQUE" en majuscules - c'est un rappel très utile, alors n'hésitez pas à voler celui-là si vous le souhaitez.

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #58, 10 erreurs d'interrogation que font les écrivains (et que faire à la place).

Astuce #2. Si vous souhaitez obtenir un contrat d'édition traditionnel, envisagez l'auto-édition (d'abord) pour acquérir de l'expérience et développer votre audience.

Passons au conseil numéro deux. Celui-ci vient de l'épisode #67, Le pour et le contre de l'édition indépendante. Et dans cet épisode, je partage juste cela - quelques avantages et inconvénients à prendre en compte si vous songez à l'édition indépendante ou si vous essayez de choisir la meilleure voie de publication pour vous. Voici l'extrait :

« Si vous vous auto-éditez et que vous vous débrouillez bien, les agents et les éditeurs viendront à vous. Cela pourrait se traduire par une bien meilleure affaire que celle que vous obtiendriez en tant qu'auteur pour la première fois sans aucune preuve de vente. À titre d'exemple, considérons des auteurs comme Andy Weir qui a écrit The Martin, qui a commencé comme un livre électronique auto-publié, puis est passé à l'audio et est finalement devenu un film à succès. EL James, qui a écrit 50 Shades of Grey, a d'abord été auto-publié. Colleen Hoover aussi avec son livre Slammed. Il y a aussi Bella Andre, Hugh Howey, AG Riddle et bien d'autres. Donc, pour faire court, si vous voulez un contrat d'édition traditionnel, cela pourrait être un bon moyen d'éviter la bouillie et d'acquérir de l'expérience et d'élargir votre public en tant qu'auteur indépendant.

J'ai entendu beaucoup de commentaires sur cette partie particulière de l'épisode… Beaucoup d'écrivains ont dit qu'ils ne savaient même pas que c'était une option, ou quelque chose qui se passe dans la vraie vie, mais c'est totalement le cas. Bien sûr, cela ne marchera pas pour tout le monde (ou pour chaque histoire), mais si vous consacrez du temps à écrire une bonne histoire, si vous travaillez avec les bonnes personnes pour faire éditer et produire votre livre, et si vous travaillez difficile de commercialiser votre histoire, alors qui sait ! Vous pourriez également figurer sur cette liste d'auteurs auto-publiés devenus des auteurs publiés traditionnellement un jour.

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #67, Les avantages et les inconvénients de l'édition indépendante.

Astuce #1. Ne présumez pas qu'un éditeur traditionnel fournira une aide marketing importante si vous obtenez un contrat de livre.

Et en parlant d'édition traditionnelle et de commercialisation de votre livre, le conseil numéro un vient de l'épisode # 66, Les avantages et les inconvénients de l'édition traditionnelle. Et ce clip parle de l'un des inconvénients de l'édition traditionnelle. C'est ici:

"Un éditeur traditionnel ne vous aidera pas à commercialiser votre livre de manière significative à moins que vous n'obteniez une grosse avance - et j'entends par là cinq ou six chiffres.

Si un livre obtient une grosse avance, l'éditeur a un gros intérêt à récupérer cet argent et investira davantage dans le marketing. Mais pour la grande majorité des contrats d'édition traditionnels, un gros budget et un plan de marketing n'en feront pas partie.

Cela signifie que peu importe comment vous décidez de publier votre livre, vous devrez vous engager à le vendre et à le mettre entre les mains des lecteurs.

Les lecteurs veulent des auteurs accessibles, et les messieurs veulent des auteurs qui s'engagent activement avec les lecteurs de manière authentique.

C'est ce que veulent dire les agents et les éditeurs lorsqu'ils interrogent les écrivains sur leur "plate-forme". Ils demandent essentiellement : « Avez-vous des gens intéressés et qui attendent d'acheter ce livre ? Ou, « Communiquez-vous régulièrement avec vos lecteurs ? » Et si la réponse est oui, cela va être très attrayant pour les éditeurs traditionnels.

C'est tellement important - et j'ai terminé exprès parce que je ne voulais pas que vous le manquiez. Comme je l'ai couvert dans l'épisode # 66 et l'épisode # 67, il y a des avantages et des inconvénients à chacune des principales voies de publication. Si vous n'êtes pas sûr du bon chemin de publication pour vous, je vous recommande fortement d'écouter chacun de ces épisodes pour déterminer quel chemin de publication correspond le mieux à vos objectifs en tant qu'auteur.

Vous voulez voir tout l'épisode ? Cliquez ici pour écouter l'épisode #66, Les avantages et les inconvénients de l'édition traditionnelle.

Et voilà, certains des meilleurs clips du podcast Fiction Writing Made Easy en 2022. Si l'un de ces clips a attiré votre attention et que vous n'avez pas encore regardé l'épisode complet, assurez-vous de revenir en arrière et d'écouter . J'aurai tous les épisodes liés pour vous dans les notes de l'émission.

Merci beaucoup de m'avoir rejoint, non seulement aujourd'hui, mais semaine après semaine ou chaque fois qu'il y a un nouvel épisode. Je suis tellement reconnaissante de pouvoir me présenter pour vous et de pouvoir partager avec vous tous ces conseils et stratégies d'écriture. Et je suis tellement excitée de voir toutes les choses merveilleuses que 2023 nous réserve - je vous parle dans la nouvelle année !